雕塑设计制作的原则在雕塑艺术中是否具有普遍性是值得怀疑的，因为雕塑的原则是把雕塑的元素组织成富有表现力的构图，不同的风格是不同的。事实上，主要雕塑风格之间的区别很大程度上是基于对其背后设计原则差异的认识。因此，艺术史学家埃尔温·帕诺夫斯基试图定义罗马式和哥特式雕塑设计中的原则差异。他说，罗马式建筑的形式被认为是从外部平面的投影。哥特式建筑被认为是以自身的轴线为中心的。“同轴性原则”被帕诺夫斯基认为是哥特式重新发现的“古典雕塑的基本原则”。

　　雕塑设计制作的原则支配着雕塑家处理诸如方向、比例、比例、清晰度和平衡等基本问题的方法。

　　轴和平面：为了构思和描述雕塑形式相对于彼此、相对于观众以及相对于周围环境的方向，需要某种空间参照方案。这是由轴和参考平面系统提供的。

　　轴是一条假想的中心线，穿过一个对称的或接近对称的体积或一组体积，表示质量的引力轴。因此，人体的所有主要组成部分都有自己的轴，而直立的人像有一条纵轴贯穿其整个长度，卷可以在其轴上旋转或倾斜。

　　参考平面是指体积、轴和表面的运动、位置和方向可以参考的假想平面，主要参考平面为正面、水平面和两个剖面。

　　线性尺寸、面积、体积和质量：线性尺寸、面积、体积和质量之间存在比例关系。这三种比例在雕塑中并存、相互作用，形成了雕塑的表现力和美感，雕塑家对比例的态度大不相同。有些雕塑家，无论是抽象的还是比喻的，都使用比例的数学系统。例如，对自然人体比例的优化和理想化是希腊雕塑家的一个主要关注点，印度雕塑家采用了经典的肖像法，或是精心关联的比例体系。这些决定了人体所有重要尺寸的比例，非洲和其他部落的雕塑家根据身体各部分的主观重要性来确定他们雕像的比例，不自然的比例可以用于表达的目的，也可以用于使雕塑与周围环境相适应。

　　雕塑比例：有时有必要调整雕塑的比例，以适应其相对于观者的位置，高耸在建筑物上的人物。例如，为了抵消前缩短的影响，它的上部通常变大，当一个雕塑被陈列在博物馆的眼睛水平面上时，这应该是允许的。

　　雕塑的尺度：雕塑的规模有时必须与周围环境的规模相联系，当它是一个更大的综合体中的一个元素时，比如一座建筑的立面，它必须与其他元素保持一定的比例。在设计户外雕塑时，雕塑家必须考虑的另一个重要因素是户外雕塑的趋势，特别是当对着天空看的时候，它看起来没有在工作室里那么厚重。因为人们倾向于将雕塑的规模与自己的身体尺寸联系起来，所以巨像和小雕像的情感影响是完全不同的。

　　等级尺度：在古代和中世纪的雕塑作品中，一幅作品中人物的相对比例通常由其重要性决定，例如，奴隶比国王或贵族小得多，这有时被称为层次尺度。

　　不同的风格融合在一起：一种形式与另一种形式的连接可以通过多种方式实现，在19世纪法国雕塑家奥古斯特·罗丹(Auguste Rodin)的大部分作品中，没有明确的界限，一种形式以印象派的方式与另一种形式融合，创造出一个连续流动的表面。在希腊雕塑家普拉克西泰勒斯的作品中，这些形式通过平滑、模糊的过渡柔和而微妙地融合在一起。印度雕塑的体积和希腊雕塑家Polyclitus风格中男性人物的表面解剖被清晰地定义和表达。意大利和北方文艺复兴时期雕塑家的作品之间的主要区别之一在于意大利人偏爱由明确表达的、不同的形式单位构成的作品，而北欧人倾向于将各个部分从属于整个作品的流动。

　　雕塑的平衡原则：独立雕塑的平衡有三个方面。

　　首先，雕塑必须具有实际的物理稳定性。这可以通过自然平衡来实现，也就是说，使雕塑本身足够稳定，能够牢固地站立起来，这对于四足动物或躺着的雕像来说是很容易做到的，但对于站立的雕像或高而瘦的雕塑来说则是不容易的，因为它们必须固定在基座上。

　　平衡的第二个方面是组成，力的相互作用和构图中的重量分布可能产生一种动态或静态平衡状态。

　　平衡的第三个方面只适用于代表活人的雕塑。一个活生生的人体通过不断的运动和肌肉的调整来保持双脚的平衡。这种效果可以在雕塑中通过形式的微妙变化和张力与放松的暗示来传达。